Björk: Biophilia. Björk y punto ¡flipaos!

       Hubo un tiempo en el que Björk era respetada, admirada y venerada, pero entonces llegó internet, la libre circulación de música y con ello la libre circulación de gilipollez de mucho moderno de turno que cree que Björk es el "celebrities" protagonizado por Joaquín Reyes  en "La Hora Chanante".

Señores/as, modernos de mierda, esta mujer merece un respeto, y que a muchos de los que dicen "Bior" les caiga un caldero lleno de ácido sulfúrico encima. Estamos hablando de la creadora de discos como "Homogenic" ¡por Dios!.

Pero ante la tontería nada se puede hacer, los modernos querían modernidad y les llegaron "Medulla" (2004) o Volta (2007) dos discazos llenos de atrevimiento y buenas canciones. ¡Qué mierda de discos! pensaron algunos, pero no sé, será mejor escuchar a la novedad desde Leicester o Missouri antes que a una artista que hace discos con chicha. Porque sí, Biophilia es ante todo es un galimatías de cuidado, es un disco de esos del que leerás críticas pedantes en todas partes, pero aquí un servidor poco amigo de las tonterías y flipamientos en forma de crítica quiere hablaros de este disco con normalidad.

Mucho se ha dicho de la concepción de este disco, que sí está hecho con un Ipad, que si Björk ha montado un buen tinglado en su nueva página web, que sí ha fabricado un instrumento, la "Gamelesta" (palabra que podría encajar perfectamente en un sketch de Muchachada Nui) o ¡Bobina de Tesla!. Sí, los críticos te rellenan media crítica mencionando todos esos trastos y cuatro palabras raras, pero lo que es leer sobre las canciones, he leído poco.

 A la islandesa le encanta jugar y arriesgar en cada propuesta con nuevos elementos, rodearse de lo más granado del panorama musical, eso ya lo sabemos, pero al fin y al cabo, aunque se suba a un monte y toque un arpa con los dedos del pie (y lo grabe y edite) compone canciones que no requieren de un Máster en la Universidad de Cincinatti como requisito para poder escucharlas, por eso me cuesta entender la recepción de este disco en distintos medios musicales, tachándolo de raro y difícil de escuchar. Biophilia es Björk en estado puro porque pocos artistas saben conjugar como ella  originalidad, vanguardia y buen gusto por la melodía.

El tema conceptual de este álbum es la naturaleza y sus fenómenos, desde los relámpagos hasta el ADN pasando por  los ciclos lunares, de ahí el nombre de las canciones "Moon", "Thunderbolt", "Solstice".

 "Moon" la canción que abre el disco comienza con el arpa como única base, mientras que en "Thunderbolt" los sonidos electrónicos aparecen en una extraña canción, al igual que "Crystaline" cuyo final "zapatillesco" da un toque extraño a una canción de las de toda la vida de la islandesa, algo que también ocurre con "Mutual Core". 
"Cosmogony" rebaja el tempo para ofrecer uno de los cortes mas bellos del disco,  mientras que "Dark Matter" hace honor a su nombre en el que sin duda el tema mas oscuro de "Biophilia". "Hollow" parece una mezcla de unos Matthew Herbert y Danny Elfman poseídos (o no) con Björk como artista invitado, mientras que en "Virus", el invitado es "El Guincho" que hizo algunos arreglos de percusión en esta bella canción, la que más me gusta de todo el disco. "Sacrifice" es otro corte oscuro (me gusta). Cerrando el disco está "Solstice" un corte que acaba como empezó con un arpa hipnótica y desnuda de beats, Björk hace el resto con su voz.

Pues ya ves, al final con mis estudios he podido escuchar "Biophilia" sin que me de un síncope. Es un disco que estará entre los mejores del año, una obra accesible y a la vez original en su propuesta, no es el jeroglífico que muchos críticos describen, simplemente es Björk en estado puro, con sus cosas buenas y cosas malas.
Si lo pudiera definir con una palabra, "hipnótico" sería la mejor opción.



PD: Como lo de la "Gamelesta" no lo he entendido bien en ninguna crítica y en todas partes lo describen como si asistiesen cada viernes a un recital de "Gamelesta" o tuviesen una en su casa, aquí dejo fotos y definiciones wikipedia incluidas, que a los modernos les gustan mucho estas palabras. Eso sí, me sigue pareciendo muy "chanante" la dichosa palabrita.
Ahí va:

GAMELAN

+

CELESTA

=

GAMELESTA

No era tan difícil joder...

Bunhill Fields

         Han sido muchas cosas, emociones por aquí y por allá, despedidas, bienvenidas, cambios radicales, pero tras un periodo necesario para adaptarme a una nueva situación, estoy de vuelta por estos lares, porque un servidor ha abandonado territorio español.
Qué hacer ante una tierra que no puede ofrecer trabajo ni grandes expectativas, una tierra siempre alegre, pero ahora sin gracia. A cambio me encuentro en un país con menos gracia aún, con un idioma que aprender, una experiencia que vivir y mucha gente a la que conocer. Sí, estoy en Londres, como otros tantos miles de españoles, que parece que nos hemos puesto de acuerdo y hemos inundado la ciudad del Támesis.

Mis conocimientos sobre el idioma son básicos pero puedo entender casi todo lo que me dicen, aunque expresarme bien en este idioma ahora mismo es una utopía. La música es un buen aliado para que mi oído se haga a el inglés poco a poco, y mientras paseo y admiro los monumentos de esta ciudad, escuchar música en inglés empieza a sonarme menos a chino, vamos, que empiezo a distinguir bien y a entender nítidamente lo que dicen las canciones, eso sí, a mi ritmo.

 La verdad es que aquí en Londres mientras en el metro la gente juega a extraños juegos en sus móviles de última generación o actualiza su Facebook, escuchar música es mi pasatiempo favorito, porque determinados tipos de música parecen estar hechos para lugares de esta ciudad. Puede parecer un poco "freaky" por mi parte, pero cada parte de la ciudad parece como si tuviese una música asignada, mientras en el centro la épica de las canciones de Mogwai me sirve para sortear turistas, en el metro suelo escuchar algo más pausado para aguantar las horas punta.

Tiene gracia, porque hace poco paseando por la City mientras escuchaba a The Doors me encontré con un lugar que me llamó mucho la atención: "Bunhill Fields", el lugar donde está enterrado William Blake, el autor del verso del que la que la banda californiana tomó su nombre:

If the doors of perception were cleansed everything would appear to man as it is, infinite".

Traducción: Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito.

La verdad, aunque en Londres cementerios de este tipo hay a patadas, este me llamó mucho la atención porque es a su vez un parque y mientras lees, fumas o escuchas música, los niños revolotean y juegan a tu alrededor, mientras cadáveres que llevan más de tres siglos ahí les rodean. Por decirlo de forma irónica es un cementerio con mucha vida, rodeado de sucursales bancarias, casas y justo enfrente de la sede de la iglesia metodista.

Sus tumbas presentan un aspecto tan decadente y tan lúgubre que parecen de mentira, como si formasen parte de un decorado de película de Serie B, pero el lugar es francamente bonito cuando caen las hojas en pleno otoño y llenan sus recovecos. En muy pocas lápidas puedes distinguir el nombre, es más la tumba donde están enterrados William Blake y su esposa no tiene nombre, pero sí se ha erigido un monumento en su memoria (foto de arriba) en el que fanáticos del artista británico dejan presentes. Las colillas y ceniza de los cigarros y porros le dan cierta semejanza a la tumba de Jim Morrison, eso sí, sin el nivel de visitas que tiene la tumba del vocalista californiano en el cementerio parisino de Père Lachaise.

En este cementerio hay muchas personalidades británicas de siglos pasados. Por citar algunos nombres, Daniel Defoe, el autor de Robinson Crusoe, que es junto a Blake el único nombre que me sonaba. John Hyatt el creador de la iglesia metodista o el matemático Thomas Bayes, junto a Blake y Defoe son probablemte los inquilinos más conocidos de este lugar.

Una sociedad se encarga del mantenimiento del cementerio y de cuidar a los animales que alberga en su interior, ardillas, lagartos, arañas y demás bichos forman parte del panorama.

 En definitiva, es una maravilla escondida (bueno no tanto) en la City, uno de esos lugares que descubres cuando vienes a Londres a algo más que turismo. Si alguien que lea esto tiene pensado venir a Londres, no debería perderse esta visita porque es un lugar con un encanto enorme, y como además es un cementerio vigilado puedo dar su localización sin miedo a que los vándalos hagan de las suyas. Las paradas de metro más cercanas son las de Old Street y Moorgate. No os lo perdáis, merece la pena.


Nota: Si tengo tiempo de asistir a algún concierto de la enorme oferta musical que ofrece esta ciudad, probablemente deje una crónica por aquí.

La piel que habito

           Después de haber leído que en el pasado Festival de Cannes que “La piel que habito” provocó risas en la sala donde fue proyectada, cuesta entender como ha sido vendida como todo lo contrario. Al salir del cine pude entender esas risas, porque el cine de Almodóvar vive de eso, del humor en el momento más insospechado y en eso esta película no es una excepción.

 Aunque sea tirar de tópico, quizás esta película, realizada por el Haneke, Lynch o Kaurismaki de turno sería rebautizada como la "jodida obra maestra", pero la ha realizado un señor de Calzada de Calatrava (Ciudad Real) y eso en un país como este es una losa bastante pesada para cualquier director, incluso para Pedro Almodóvar, empeñado en seguir filmando películas en un país que espera con los cuchillos afilados cualquier obra que presente. Se nota que a cabezonería no le gana nadie.

"La piel que habito" versión libre de la novela "Tarántula" de Thierry Jonquet, no es ni de lejos su mejor obra, no creo ni siquiera que sea nada nuevo en su filmografía, algo que siempre se dice cuando se estrena una película del director manchego, pero su mezcla de géneros en sus dos horas de metraje y los excesos propios de su cine conjugan en esta cinta lo mejor y peor de su obra, un Almodóvar que casi sin querer es más Almodóvar que nunca, en un film en el que juega como nunca con el ridículo pero por el camino deja una película de clara vocación kamikaze. Quien no arriesga, no gana, aunque esto en el cine no sea 100% necesario para triunfar.

Precisamente una de las grandes virtudes de este film ha sido que Almodóvar amplíe su habitual mezcla de estilos drama-comedia y viceversa, tomando elementos propios de la intriga o el terror, con un Robert Legard interpretado por Antonio Banderas, a cuyo personaje probablemente le sienten mejor las palabras del libro y le den un grado elevadísimo de sadismo. Aun así, su evocación de un moderno doctor Frankenstein y su personaje en sí, asustan. Su Robert Legard es más grande por lo que sugiere que por lo que muestra.

Mención especial a Elena Anaya. Me creo su "Vera" que no es precisamente un personaje nada fácil. Ella acaba siendo lo mejor de la cinta. Está soberbia cuando se contiene y descomunal cuando se desmanda, mil veces mejor que la mejor Penélope Cruz de las películas del director manchego. No es solo la cara bonita de turno del cine español, aquí hay actriz para rato.

Marisa Paredes a quien siempre se exigirá lo mejor de sí misma en el cine Almodovariano solo se deja ver en el momento de la hoguera, mientras personajes como los de Eduard Fernández y Roberto Álamo chirrían en esta película, solo que quizás tengan la coartada del libro de Jonquet, que por cierto no me he leído. Tampoco faltan los habituales colores del cine del director manchego con la fotografía de José Luis Alcaine que fue premiada en Cannes o la siempre subyugante y embriagadora música de Alberto Iglesias.

Como tratar temas como la ciencia, la transexualidad, el drama familiar o la venganza y sacar partido e incluso humor de ello, pocos pueden hacer esto sin caer en el ridículo. Inverosímil en algunos momentos, en otros realmente conmovedora, nos encontramos ante una de las películas más referencial y autorreferencial de su carrera. Una película en el que el fallo principal de Almodóvar es ser él mismo, pero de no ser así no sería más que un simple telefilm de tres al cuarto. Capaz de acercarnos al mayor horror y hacer que nos riamos con lo que hemos visto, la decimoctava película del director de películas como “Hable con ella” es sin duda una de las películas más extrañas de su filmografía. No será lo mejor que ha hecho pero “La piel que habito” tiene algo.

Lo mejor: Elena Anaya y la música.

Lo peor: Lo de "Tigrinho" por los cigarrales sobra.

Beirut - The Rip Tide

       Estoy viendo como empiezan a salir los tomates "tardíos" de la huerta de mi padre. Para quien que no sepa lo que es un tomate tardío o en que se diferencia del tomate normal, son esos tomate enormes, (mutantes diría yo) que tienen rajas y salen después de los tomates normales.

Y diréis, ¿que tienen que ver los "tomates tardíos" con Beirut? Pues es algo muy simple de explicar, la tierra es de quién la trabaja y este tipo de tomates requiere más tiempo de lo normal. Como mi padre con su huerta, Beirut lleva unos años trabajando su tierra con discos que unen la tradición folk-pop norteamericana, con arreglos musicales de tintes mexicanos y balcánicos, Pienso que en la huerta de la música actual, repleta de malas hierbas, Beirut es como un tomate tardío, tomate al fin y al cabo, pero con cosas que le diferencian del resto de los tomates.

Hacía falta un grupo como Beirut con un líder como Zach Condon , silencioso y sin los aspavientos típicos de cualquier cantante que no ha conseguido ni la mitad que él, pero sobre todo porque facturan una música realmente preciosa, sin dejar de mirar la música de dónde vienen y mezclándola con la melancolía de la música del este de Europa. Muchos dirán, "son solo unas trompetas en un grupo de pop" y quizás tengan razón, pero la esencia está ahí, al fin y al cabo la música no entiende de idiomas y el resultado a mi personalmente me gusta muchísimo.

Pero vamos a hablar de "The Rip Tide" el último disco perpetrado por el grupo. No es una novedad flagrante en su carrera, es sin duda un disco claramente continuista pero no por eso malo sino todo lo contrario. Podría fundirse perfectamente con el gran "Gulag Orkestar", que apenas notaríamos la diferencia.

Si hay una diferencia entre este álbum y los demás de este hombre de Santa Fe es que "The Rip Tide" es el que mas coquetea con el pop de todos, pero donde hay un sintetizador enseguida aparece la sección de vientos para quitar cualquier rastro de pop banal, si lo hubiere. Canciones cortas en un disco de apenas 33 minutos de duración, una tónica de los discos de Beirut.

El disco empieza con la notable y nostálgica "A Candle's Fire" con una sección de vientos espectacular, mientras que el sintetizador predomina en el segundo corte del disco, "Santa Fe". "East Harlem" la podían haber firmado perfectamente unos "Herman Dune" sin desquitarse, mientras que en "Goshen" la unión piano-vientos factura una bella canción. El pop mas optimista aparece en cortes como "Payne's Bay" ó "Vagabond". "The Rip Tide" aparte de dar el nombre al disco es uno de los mejores cortes de todo el álbum, en cierto modo me recuerda a "Prenzlauerberg" de "Gulag Orkestar". "The Peacock" trae de nuevo el sosiego para terminar con la reseñable "Port Of Call" como cierre de este disco.

No será nada nuevo en su carrera, pero a mi por lo menos me gusta y  recomiendo su escucha.

Nuevo video de Marilyn Manson

        Lo que es la vida, hace diez años Marilyn Manson escandalizaba a la opinión pública, estaba en lo más alto de su popularidad y jóvenes de todo el mundo le idolatraban y veían en el una especie de icono de lo prohibido. Hoy, no escandaliza a nadie, su popularidad se ha diluido, le han echado de su discográfica "por no vender discos" y los jóvenes de hoy en día se tienen que conformarse con Justin Bieber.

No seré de los que critique a Brian Warner porque en lo que respecta a la música, menos el infumable "The High End Of Low", la banda ha seguido facturando buenos discos y aunque todo el mundo haya digerido ya su personaje o como lo queráis llamar, Marilyn Manson es sin duda uno de los líderes más carismáticos que ha existido en la historia de la música, pero todo lo que sube, ha de bajar y aunque no impacte como antes, su figura es necesaria para el mundo de la música

Pues bien, ¡este hombre vuelve! y lo hace a su manera, creando polémica con un nuevo video llamado "Born Villain" que anticipa el que será su nuevo disco, previsto para principios del año que viene. El video dirigido por el actor Shia Labeouf es bastante asqueroso, contiene asesinatos, sexo, un niño gótico, vamos de los de toda la vida de Marilyn Manson. Imágenes entre lo artístico y lo grotesco, referencias al cine de Alejandro Jodorowsky y un Marilyn Manson con menos colorete de lo habitual, casi nada, más bien. Un video que no deberías ver si eres de estómago sensible, aunque tampoco es para tanto, luego seguro que acabas dando al replay, porque es bastante mejor que la canción, que tengo que decirlo, es un poco mierda.

Según miembros de la banda, el nuevo disco será como una versión "Punk-Rock" de "Mechanical Animals".
Aquí dejo el video, aunque seguro que lo quitan rápido por las escenas violentas.

St. Vincent - Cruel

Me encanta esta mujer, y que mona va siempre. "Cruel" formará parte de "Strange Mercy" el nuevo disco de St. Vincent que estará en las tiendas el próximo 13 de septiembre. Además esta incluida entre los grupos del próximo Primavera Club.

Tom Waits - Bad As Me

     
Una de las cosas que menos me gusta de la música o el cine son las críticas o halagos "relamidos" que dedican todo tipo de publicaciones hacia artistas que normalmente tienen muchos años de carrera a sus espaldas.

 A mí no me engañan, llevo muchos años leyendo prensa sobre música y cine para identificar estos arrebatos de pedantería a la perfección, tanto que sé por donde irán los tiros en cuanto se publique el que será nuevo disco de Tom Waits bajo el título de "Bad As Me".
 Se hablará de bar, alcohol, herrerías, California y "reinvención" (Oh), ese término que está en entre el filo del bien y el mal para la crítica, como ocurre con otros grupos como "My Bloody Valentine", "Sonic Youth" o los sobrevaloradísimos "Animal Collective". Si el artista en cuestión es alguien como "Neil Young", "Leonard Cohen" o "Bob Dylan", la pedantería de la crítica adquiere niveles realmente obscenos.

Para mí Tom Waits está entre los mejores músicos de la historia, pero esa costumbre que tienen muchos periodistas y bloggers de decir que este señor de Pomona (California) es algo así como un "guarrantón" con un talento descomunal me horroriza.
Él, por sí solo ha escrito muchas páginas en la historia de la música, pero no puedo evitar reírme al leer algo relacionado sobre él, de hecho, a veces pienso que un disco conjunto de Waits y Kevin Shields grabado a base de “eructos” estaría entre los mejores discos del año, según la prensa especializada claro.

 Tienen razón respecto a lo de talento, pero leer junto a su nombre adjetivos aplicables al trabajo de un herrero me produce urticaria, más aún cuando a mí, algunos de sus últimos trabajos no me han gustado nada. Mientras, la prensa especializada ha puesto por las nubes discos de este hombre que para nada son gran cosa, pero es lo que pasa, hay mucho flipado por ahí y escribir o hablar sobre este señor de forma trascendental es una moda. Para que os hagáis una idea de lo que digo, aquí un ejemplo:



Fascinante verdad, salvo la información sobre su último disco, lo demás da un poco de risa, ¿notáis cómo cambia la voz al hablar de Tom Waits?, ¿como sugiere que es un poco borracho? expresiones como "ruge" o "vomita", ¿por qué? . Pues así en todas partes.

No digo que su música no tenga cierto toque sucio que pueda resultar atractivo, algo que siempre ha pretendido el artista californiano, pero esa forma de ponerse solemne y trascendental a la hora de hablar de él es cuanto menos sonrojante.

Para que hablar más si el vídeo ya os ha descrito la noticia. "Bad As Me" es el adelanto del nuevo disco de Tom Waits, que en principio saldrá a la venta el 25 de Octubre, y no suena mal.

Un año (muy) Rocomacoco

       

Tras varios intentos fallidos a la hora de crear un blog, hace un año decidí comenzar esta aventura. Todo vino tras un consejo de otro amigo blogger que me dijo.

-No leas lo que escribas.

Así fue como nació “Artista del Rocomacoco”,  “Artista” porque vivir hoy en día es todo un arte en sí, y “Rocomacoco” porque vivimos en un mundo muy “Rocomacoco”, bueno y también por una tontería entre amigos, que son las personas que principalmente leen este blog.

Lo primero que pensé:

-          Edu, definitivamente, se te ha ido la cabeza del todo.

Pero no, tras un tiempo lleno de experiencias musicales, elucubraciones varias y sobre todo muchas tonterías, puedo decir dos cosas, primero que esta mierda engancha y segundo que utilizar un blog para “autopsicoanalizarte” es algo que deberían recomendar en nuestra maltrecha seguridad social, porque va bastante bien. Al final puedo decir que no estoy loco, sino que es este mundo en el que vivimos es el que realmente está loco, aunque la verdad, con tanta mierda que nos sirven a todas horas en la televisión es difícil no perder la cabeza, demasiadas pocas cosas pasan.

Haber montado este disparate me ha servido para meterme de lleno en la blogosfera y descubrir muchos blogs interesantes que hablan sobre diferentes temas alejándose de estructuras o estilos más propios de periódicos o revistas de tirada nacional, algo que ante tanto cliché y estereotipo que nos venden en muchas publicaciones, necesitaba descubrir y disfrutar. No en vano, quien escribe en un blog personal lo hace por mero placer y sin presiones, por eso se acaba siendo más objetivo.

Uno va teniendo unos años y ha visto y probado muchos tipos de redes sociales. Todas tienen su momento de popularidad pero con el tiempo acaban cayendo en el olvido. Artista del Rocomacoco dispone de Facebook, Twitter, Tumblr y listas mensuales en Spotify, para que sea más fácil el acceso a este lugar surrealista de la red, pero sé que todas o la mayoría de estas acabarán desapareciendo.

Si hay algo que me enamora de los blogs es que nunca han tenido una popularidad excesiva,  hay gente que tiene varios y los actualiza tan a menudo que pueden parecer una nueva especie de superhéroes, mientras otras personas los crean y a los días se olvidan.

Siempre se ha visto como algo “naif” o "ególatra" tener un blog. Yo, personalmente no lo veo así, algo tendrá de especial este tipo de red social que sigue creciendo y tiene a gente que escribía (y sigue haciéndolo) desde hace muchos años.

En todas las redes sociales casi todo el mundo tiende a dar una visión de si mism@ exageradamente perfecta, por eso lo que he intentado desde el primer día es no caer en el perfeccionismo, hacer de este blog un sitio imperfecto, con sus fallos y faltas de ortografía e incluso posts absurdos que no he borrado, algo que debería haber hecho, pero no, mejor así. Los seres humanos, bueno, al fin y al cabo todo el mundo vamos al baño.

No sé si os informaré, si escribiré mejor o peor, si os podrá gustar más o menos lo que hago, pero disfruto haciendo esta mierda COMO UN ENANO, y lo seguiré haciendo, pero ahora en verano no, que hace mucho calor.

Muchas gracias a los que leéis o habéis leído este blog durante su primer año de vida.

Thin Lizzy

De haber seguido vivo, Phil Lynott hubiera cumplido 62 años ayer. Al menos nos quedan canciones como esta.

¿Nuevo disco de Sigur Ros?

       Noticias frescas para soportar este "caloruzo húmedo" de playa pero sin playa, porque hoy me he enterado de esta noticia:

 Puede que el nuevo disco de Sigur Ros esté cada vez más cerca.

 Aunque desde que editaran en 2008 su último disco Með suð í eyrum við spilum endalaust (el del los culetes al aire), Jonsi ha paliado un poco la sed de nuevo material de Sigur Ros con su proyecto en solitario o bajo el nombre de Riceboy Sleep, la espera del nuevo disco de Sigur Ros empieza a hacerse eterna, siendo este, un grupo que ha tenido bastante actividad en los últimos años, pero un día dijeron que se iban a dedicar a procrear y dejaron de lado la música.

Y es que los islandeses juegan al despiste colgando en su web este vídeo:





"Inni", ¿que será? Ruido y después paz, una tónica en las canciones de Sigur Ros, no estaría mal que fuese un breve adelanto del nuevo disco, porque según dicen en la web Iceland Music Export los islandeses podrían estar ultimando su disco con algunas canciones bastante avanzadas y con la colaboración del islandés Daniel Bjarnason.

Ojalá pronto tengamos noticias de esta banda en forma de disco nuevo o una gira, que no nos dejen con la miel en los labios estos islandeses.

Vía: My Feet In Flames

Lawrence Arabia - Chant Darling

         En estos momentos ando muy liado en otros menesteres más importantes, por lo que no hay tiempo para escribir aquí. Además está la piscina, y aunque odio el verano, el frescor de un buen baño y el cigarro de después es algo tan placentero que resulta realmente obsceno.

Pensaba dedicarle unas palabras a Amy Winehouse, aunque ya se ha dicho de todo sobre ella, y lo que se dirá. Pero lo que no dejo de pensar es que haya muerto esta mujer con tan solo 27 años, eso si es una verdadera lástima.

De todas formas estamos vivos, que es lo que importa, tanto, que el otro día me vi la última película de Harry Potter. Es increíble, me he visto toda la saga del mago, la mayoría de los films los he visto en el cine (son 8 si no recuerdo mal) por lo que he contribuido a que J.K Rowling pueda poner los grifos de su casa de oro y llenar su piscina de agua (de Fidji), eso sí, no me he leído ninguno de sus libros. Y que he sacado en claro, pues que mucha varita, mucho conjuro, pero a Hermione se la ha ligado el pelirrojo (Ron) y aunque Harry se lleve a la hermana de Ron, a poco me lo mata quien "Tú ya sabes", pero bueno, me he divertido por lo menos viendo las películas.

Bueno, después de este inciso cinematográfico quiero hablaros de un grupo con nombre de película de cine, "Lawrence Arabia" comandado por James Milne, un neozelandés que factura una música bastante decente, con un deje a The Beatles bastante considerable.

 Aunque no es una novedad y es un grupo bastante conocido, voy a postearlo por si alguien no ha oído hablar de ellos, porque desconocía de la existencia de este proyecto musical hasta que un día en el que el neozelandés acompañado de su banda hizo de telonero de Feist y descubrí su música y su buen hacer en directo. Después con Feist sobre el escenario la banda a interpretó una canción junto a la canadiense. Tengo que decir que los dos conciertos estuvieron realmente bien.

Milne aparte de tener otros proyectos ha editado como "Lawrence Arabia" un par de discos, el primero de título homónimo y editado en 2006 y el segundo "Chant Darling" en 2009. Sí, su sonido se asemeja al de The Beatles, aunque esto se diga de mil grupos, ecos lejanos de Belle and Sebastian y Beach Boys (este grupo si se parece y no Animal Collective) que hacen de este proyecto algo realmente atractivo, y lo digo cuando a mi The Beatles pues "ni fú ni fá".

Sólo he podido escuchar su "Chant Darling" porque creo que su primer disco no está comercializado en España, un trabajo que en general está muy bien, canciones como "Apple Pie Bed", "I've smoked too much" o "Look like a fool" por poner un ejemplo, son bastante buenas.

Pop sesentero de ese que muchos grupos hacen ahora que suena bonito pero no forzado, que sí, que hay mucho músico suelto por ahí que se emociona y luego le quedan las canciones muy recargadas, aunque este como he dicho, este no es el caso.

Algo de psicodelia y mucho arte es lo que tiene el disco de este chico neozelandés que ha colaborado con grupos de la talla de Okkerkil River, The Brunettes o The Ruby Suns y ha teloneado a gente como Feist o Crowed House. Además, este chico es el colmo de la modernidad con esa barba mitad vagabundo-mitad perrete viejo (los ahora llamados "Indie Jesus") y con su versión bigotuda también.

Y yo me pregunto, en estos momentos ¿cual es la razón que lleva a tanto chaval "indie" que no ha llegado aún a la treintena a dejarse barbuza de perrete viejo? Barba y bigote requieren muchos cuidados y está la barba de tres días, un clásico 100% sencillo (y efectivo), pero esta barba suma años, en algunos casos da bastante grima y no suele gustar a muchas mujeres. ¿Será por el ligoteo? ¿será por moda? ¿para ocultar estragos pasados del acné?. Dejo estas preguntas en el aire, espero que os guste este grupo.

Tokio Blues (Norwegian Wood)

         Mi primer contacto con la obra de Haruki Murakami fue el libro que da nombre a esta película. Hoy, varios libros suyos después, pese a que todavía no me he leído todos, aunque estoy en ello, puedo decir que es mi escritor favorito.

Me gusta mucho su forma de escribir, sencilla, pero llena de matices, el japonés, no se como ni porqué siempre encuentra ese punto que hace que sus libros se conviertan en una experiencia única para el lector, ese punto en el que lo cotidiano adquiere otra dimensión, sus libros enganchan de una manera increíble.


Pero aunque existan los típicos prejuicios por llevar al cine novelas de éxito, esta película dirigida por Tran Anh Hung (Cyclo, El olor de la papaya verde) consigue un buen resultado, eso sí, siempre que no se compare con el libro. La historia narra la vida de Watanabe un estudiante japonés que se encuentra en el Tokyo de los años 60 en el que dos mujeres Naoko y Midori por decirlo de alguna manera "le traen de cabeza" (tampoco es plan de desvelar la trama) leánse el libro, que está muy bien.

Aunque quizás la elección del casting no haya sido la mejor, tan sólo Rinko Kikuchi (Babel) en su papel de Naoko logra captar la esencia de su personaje, mientras Midori (Kiko Mizuhara) no lo hace del todo mal, pero el protagonista, Watanabe (Kenichi Matsuyama) no hay por donde cogerle, se pasa toda la película con la misma cara, no me convence nada.

Una de las cosas que se echa de menos en esta película es que los personajes de Midori y Nagasawa están muy mal aprovechados, podían haber dado más juego. Pero si hay algo que me gusta de la película son sus silencios, sobre todo mientras Naoko y Watanabe pasean, en los que solo existen los sonidos de la naturaleza, esa que describe tan bien Murakami en la novela, con algunos momentos que ha trasladado bastante bien del libro a la pantalla el director vietnamita. Impagable el travelling que realiza el director cuando Naoko y Watanabe caminan por los alrededores del sanatorio mental, de lejos lo mejor de la película.

Uno de los grandes aciertos de este film es que cuenta con la colaboración de Lee Ping Bing, director de fotografía de algunas de las películas de Wong Kar Wai, que añade una paleta de colores haciendo que la película sea un deleite visual. Esa luz o falta de la misma, siempre es increíble y realmente bella.

Algunas de las críticas que ha recibido la película vienen por la música, el libro tiene multitud de referencias a temas jazz de los 60, pero se ha optado por una banda sonora (bastante recomendable) compuesta por Jonny Greenwood (Radiohead) y tres temas de Can: "Mary, Mary, So Contrary", "Bring Me Coffee Or Tea" y "Don’t Turn The Light On, Leave Me Alone". De hecho he visto carteles en periódicos promocionando esta película, en la que aparecía casi más grande que el título la siguiente leyenda: "Banda sonora compuesta por miembro de Radiohead". ¡Mother of God!.

En definitiva, si te has leído el libro y esperas una versión fidedigna, mejor que gastes el dinero en otra cosa, pero si no lo has leído seguramente te guste, porque como película posee mucha belleza estética, aunque a veces parezca realmente cursi, pero repito, si separas película de libro (no es fácil), pues oye, tampoco está tan mal.

Lo mejor: Su estética y la escena del sanatorio mental.

Lo peor: Algunos personajes están poco aprovechados.

Día de la Música (Madrid) - 18 y 19 de Junio

         Ya llega el calor, y con el los festivales, y llegan al norte, al sur, al este y al oeste, pero en el centro ¿festivales?, si acaso el Dcode que se celebra este fin de semana (con precios prohibitivos) o este festival que se celebró el pasado fin de semana.

La verdad es que había un cartel bastante majo. Grupos como Caribou, Janelle Monáe, Anna Calvi o Glasvegas no están todos los días en nuestro país, y el precio, 26 euros por los dos días en relación calidad-precio no está mal, pero la organización ha sido lamentable, colas interminables, poca variedad de comida, cerveza como única opción para beber, una organización que parecía decir "dejemos que esta panda de modernos se cocine en su propio jugo", porque si a el calor asfixiante del pasado fin de semana le unimos las continuas colas que se formaban para (comida, bebida, conciertos) y también le añadimos que es un recinto muy pequeño para una gran cantidad de gente, la sensación de comodidad que se empieza a vivir en algunos festivales, aquí brilla por su ausencia.

Pero en lo que respecta a los conciertos, que es lo que importa, la cosa no estuvo mal, me hubiera gustado ver más pero es lo que hay. Aquí va una crónica de lo que sucedió en el Matadero:

Sábado 18:

Anna Calvi: Mientras entraba a el recinto, la inglesa acometía "Rider To The Sea" la primera canción de su disco homónimo, desafiando a un sol que pegaba con ganas. Canciones como "Suzanne and I", "Blackout", "Desire" o la gran versión que ha realizado del "Jezebel" de Edith Piaf sonaron en un show redondo, en el que Anna Calvi dio muestras de la gran voz que tiene y lo gran guitarrista que es, con un descomunal solo de guitarra final. Para mí, lo mejor del sábado.

 The Pains Of Being Pure At Heart: No presté atención a Toro y Moi porque quería coger buen sitio para los neoyorquinos.

 No sé que decir de esta banda, la verdad, es que técnicamente ofrecen buenos conciertos, pero les falta algo. Su música es un compendio de pop y guitarras distorsionadas (dejémonos de etiquetas Noise, Twee, C86), una mezcla muy atractiva y muy bien llevada a cabo en el estudio. Pero en lo que respecta a sus directos, acaban sacando su vena mas guitarrera al final, con unos principios demasiado lentos y sin excesivo gancho. Comenzaron con "Belong" el tema que da nombre a su último disco, del que tocaron canciones como "Heart in you heartbreak" o "My Terrible Friend" y canciones de su primer trabajo como "Young Adult Friction" o "Stay Alive". De menos a más, pero no acaban de convencerme en directo.

Wild Beasts: Mi veto a la música moderna, ha hecho que desconociese de la existencia de estos británicos, que a mi juicio ofrecieron muy buen concierto, habrá que tenerlos más en cuenta, fue una gran sorpresa.

Crystal Fighters: Con Vetusta Morla, decidimos salir fuera a cenar algo y cuando volvimos los británicos estaban tocando. Fue un directo raro, tocaban varios estilos sin casarse con ninguno. Desde los acordes tropicales de "Plage" a extremos más electrónicos como "I Love London". Desconozco si tocaron la divertida versión que hacen de "Fiesta de los Maniquíes" de Golpes Bajos.

Domingo 19:

Ron Sexsmith: Había oído hablar de su música, pero la había escuchado mas bien poco, por eso decidí asistir a su concierto y me llevé una grata sorpresa. Un enorme recital.

Janelle Monáe: Mientras salía del escenario Rockdelux una enorme masa de gente esperaba ansiosa el concierto de la artista norteamericana. Mi opinión es que fue un show demasiado coreografiado, pero aunque la música en directo requiere de ciertas dósis de improvisación, shows teatrales como este, se ven pocas veces. Gran concierto y gran espectáculo, no faltaron sus éxitos "Cold War" o "Tightrope" e incluso una versión del "I want you back" de los Jackson 5. Esta mujer debería vender millones de discos.

Russian Red: Después de lo que se ha hablado, que si es de "derechas" que si "La Razón", "El País", "Jenesaispop", me esperaba que hordas de modernos (ultras) boicoteasen su concierto, pero no fue así. Me importa una mierda lo que piense, me importa su música y punto. Lo cierto es que guste o no guste su música, Russian Red suele dar unos conciertos bastante decentes, acompañada de buenos músicos como Charlie Bautista. Pero programar su concierto después del recital de Janelle Monáe fue un error y todo un bajón, aunque no estuvo mal.

Caribou: Tenía muchas ganas de comprobar de lo que es capaz Dan Snaith en directo y la verdad es que no me decepcionó en absoluto. Quería escuchar el sonido acuoso de "Swim" y acabé, como todos, empapado de ese sonido, pero también de sudor. Con todos los músicos apiñados en el centro del escenario comenzó su show con "Kaili", si no recuerdo mal. Mientras, caían canciones como "Found out", "Bowls" (un auténtico aquelarre percutivo) o "Jamelia" no faltaron tampoco "Melody May" o "After Hours" de "Andorra" su anterior disco. Finalizó el concierto con sus dos temas más conocidos "Odessa" y "Sun" como gran colofón final. Equilibrio entre diversión, baile y calidad para cerrar la noche. Muy grande.

¿Qué fue “lo Hipster”? – Mark Greif

         

         “Esto está lleno de modernos”

             Cada vez se habla más del fenómeno “Hipster”, pero ¿qué es un “Hipster”? o “Moderno”  que es como aquí se le llama a esta gente. Este libro trata de encontrar una definición exacta de esta palabra, y aunque yerra en su propósito, deja unas cuantas ideas y conceptos sobre esta cultura bastante interesantes, pero lo “Hipster” realmente ¿es una cultura?.

En este blog, alguna vez he incluido algunas palabras (nada buenas, por cierto) sobre los llamados “modernos”. Hay quién me ha llegado a decir que lo mío es una obsesión insana. Pero ellos (hay pocas mujeres hipster) nunca me han hecho nada malo, quizás he tenido algún encontronazo con alguno, pero poco más, no me han quitado una novia (sería algo que lo justificaría), pero su forma de ser, tan prepotentes, petulantes y sobre todo tan superficiales me enerva mucho, pero, un momento, ¿qué es un moderno?

Hay tantas descripciones posibles, que es difícil darle una que se ajuste a la realidad, todos tenemos una visión distinta sobre esta clase de gente que acaba convergiendo en algún punto. A mí, por ejemplo, me parecen jóvenes que se mueven en diferentes ámbitos,  me parece un error focalizar lo “Hipster” únicamente en el mundo de la música “Indie”, aunque en mi opinión, las definiciones que se plantean en este libro emparejándoles con este tipo de música son bastante acertadas. Pienso que el fenómeno “Hipster” no está anclado a un estilo musical en concreto, si no que es más una actitud, una pose, pero no actitud ante la vida, si no ante los demás, gente que con una apariencia llamativa y una arrogancia sin igual, podría parecer tener algo importante que decir pero acaba teniendo menos personalidad que un pantalón del H&M. Para ellos la música, el cine, los libros, la política, el medio ambiente son lo de menos, de la cultura popular y los diferentes tipos de música cogen lo más banal y vacuo: diferentes estéticas que adaptadas y readaptadas continuamente, se acaban transformando en su filosofía y modo de ver el mundo, toda la personalidad de un ser, volcada en su indumentaria, ¿qué mierda nos quieren vender?

Por eso para mí el fenómeno “Hipster” no creo que sea algo genuinamente “Indie”, si no que puestos a pensar ¿por qué no hay ”hipsters góticos”? ¿O “hipster raperos”?,  no es algo que solo se encuentre en las grandes ciudades, tu vecino puede ser uno de ellos, están por todas partes, me atrevo a decir que no hay nada peor que un “moderno de pueblo”.

 Si todavía estás leyendo después de esta parrafada, te pido perdón, quería hablar del tema y dar mi punto de vista, por eso he aprovechado esta ocasión para hacerlo, pero ahora quiero centrarme  en este libro.

El primer paso para ser un “Hipster” es negar que lo seas, esa es una de las premisas que más se repiten en este libro, porque sí, nadie se autodefine como “moderno” o “Hipster”, incluso hay quién se cabrea cuando le dicen que es, o parece un moderno. En una situación de esas, se podría escuchar perfectamente como encoge el culo y como aprieta los puños el afectado, poniendo cara de “¡Uy lo que me ha dicho”! ¡Esto no puede quedar así! ¡Moderno yo, por favor!.

Lo increíble de este fenómeno es que cada vez se le dedican más estudios sociológicos, de hecho, este libro recoge diferentes artículos aparecidos en medios como “New York Observer” y está centrado en un simposio que tuvo lugar en 2009 en la ciudad de Nueva York, en el que diferentes artistas, sociólogos, periodistas debatieron sobre este tema.

En dicho simposio tuvieron cabida desde los primeros “Hipsters”  (los de los años  40) hasta temas que van desde el capitalismo a Pavement, pasando por Williamsburg, Barcelona, Bush, Obama, la crisis económica, la revista Vice, Norman Mailer,  Slavoj Zizek, la palabra “cool”, la Polaroid, etcétera.

Tocaron muchos temas, algunos realmente rebuscados y bastante surrealistas, pero aunque pueda parecer algo “hipster” la propuesta, en dicho simposio transcrito en este libro se expusieron cosas bastante interesantes y bastante sesudas, con momentos realmente graciosos,  de hecho, no dudaría en asistir a una actividad de este tipo. Si alguna vez se hace algo parecido por aquí y me entero, intentaré asistir.

El papel de la mujer en el movimiento “Hipster”, como los niños de clase media-alta de Lima (Perú) escuchan la cumbia que no han escuchado nunca antes, solo porque les viene editada y comercializada desde Nueva York o “Una Historia del South Side” un artículo surrealista que firma Christopher Glazek , son solo algunos de los diferentes  puntos de vista que aborda este libro, un libro que peca al añadir al título “Una investigación sociológica” porque únicamente documenta el movimiento en la ciudad de Nueva York y en algunos de sus barrios.

Mark Greif  expone tres definiciones de Hipster  que unidas, forman una idea bastante buena sobre lo que es un Hipster, y trata también de darle una fecha de inicio y muerte al fenómeno pero eso quizás sea más difícil, aunque no seré yo el que menosprecie a alguien por dedicarle tanto tiempo a este movimiento (no se lo merece) porque tiene su mérito estudiar este tema y tratarlo con respeto, ¡que mira que es difícil tratarlo con respeto!.

Aunque este libro diga muchas cosas que pueden resultar obvias sobre este tipo de gente, aporta nuevos puntos de vista y los comprime en 200 páginas que no decepcionarán a nadie que le guste o le interese leer sobre el tema, los modernos han conseguido lo que querían, que se hable de ellos.

Lo mejor:Algunos momentos hilarantes durante el simposio y algunos artículos como el de Jace Clayton o Christopher Glazek.

Lo peor: Que el libro se centre en los diferentes barrios Hipster de Nueva York.

Anna Calvi - Anna Calvi

        Olvídate de esta portada que parece haber sido perpetrada por el peor enemigo de Anna Calvi, su interior, ofrece joyas que escapan a esta portada tan "Ladygaguesca".

Entre mis amigos tengo un dicho, "Si Fede (Los Mundos De Fede) dice que está bien, es que está bien, por eso tras ver una reseña en su blog y otra en Curtains (otro señor blog) me fié del buen criterio de ambos y decidí dar una oportunidad a esta mujer, tras leer en muchos blogs que parecia la versión rubia de PJ Harvey.

Y sí, musicalmente se parecen, como decimos los de pueblo "se dan un aire", pero si hay algo que tengan en común, es que ambas comparten productor (Rob Ellis), por eso quedarse en las comparaciones con PJ Harvey es pasar solo por la superficie del terreno en el que se mueve esta mujer londinense, porque pese a ser su primer trabajo demuestra tener mucha personalidad, solo eso explica esa horrorosa portada.

 Es inevitable que al escuchar este disco que no te vengan a la cabeza nombres como los de la mencionada PJ Harvey, pero también Siouxsie Sioux o Patti Smith, de hecho, Brian Eno ha dicho que Anna Calvi es lo mejor que ha existido desde Patti Smith, eso unido a que fue elegida por Nick Cave para que telonease a Grinderman el pasado año, pues nada, ya lo tienes todo hecho hija.

 El aire western de algunas canciones, "Rider To The Sea" el tema que abre el disco es un claro ejemplo, te hace pensar que aquí hay "chicha", porque este trabajo contiene el toque justo de épica (de la buena) que pocos artistas saben dar sin caer en el ridículo, ese aire clásico que a pocos les sale solo, y que muchos fuerzan con resultados horribles.

En este disco Anna Calvi suena clásica y sin grandes artificios logra un sonido original y personal que le distancia de cualquier odiosa comparación con las grandes damas de la música mencionadas anteriormente. Es en cortes majestuosos como "Suzanne and I", "Desire" o "Blackout" donde la británica despliega todo su talento con una voz realmente espectacular que pone la piel de gallina. porque sí, es su primer trabajo, pero la cosa, de momento promete.

Anna Calvi estará en el "Día de La Música de Heineken" en el Matadero de Legazpi (Madrid) el próximo Sábado 18 de Junio.

Remate en Los Conciertos de Radio 3

         En "Típico de California", canción de "Superluv. Por lo que tiene de romántico" el último disco de Remate, el madrileño habla de "un atajo para salvar el mundo", de el lugar "donde hibernan los Beach Boys.

Si quieres viajar a esos lugares, sin salir de tu habitación, lo mejor que puedes hacer, es ver este concierto que ofreció junto a su banda en "Los Conciertos de Radio 3".

Con la ayuda de Carlos Toronado y Kike Pierrot integrantes de PAL como guitarra y batería respectivamente y Shehrezade Al-Ayoubi al chelo, Remate interpreta los temas de su último disco, uno de los mejores trabajos del año. La visión de este concierto no te defraudará.

Extremoduro: ¿Material Defectuoso?

        El caso de Extremoduro es muy extraño, porque el grupo comandado por Robe Iniesta es uno de esos grupos icónicos que cautivan a distintas generaciones y a gente tan dispar como muchos "Heavys" o "poperos", gente a la que que le gustan artistas como David Bisbal o Bustamante caen rendidos a las canciones del grupo extremeño, y no solo eso, las ventas les acompañan también, no en vano, pese a que hoy en día con pocas ventas un artista puede ser número uno, que la banda lleve dos semanas como número uno en la lista de los discos mas vendidos sin apenas promoción y con una competencia tan bestial en este campo como son Lady Gaga o Camela es digno de elogio.

Con este disco, he vuelto a recordar mis primeras escuchas musicales, cuando intercambiaba cassettes de la banda con un amigo y me peleaba con él si no me los devolvía pronto, cuando hoy le prestas un pendrive y en dos minutos ya les has pasado una discografía completa. Sí, Extremoduro fueron mi primer contacto con la música menos mayoritaria y esas cosas son como el primer amor, nunca se olvidan, o de alguna manera, vuelven.

Quizás el impacto musical y generacional de Extremoduro sea comparable al de Héroes del Silencio, pero para un servidor, la prosa y el malditismo de Roberto Iniesta resultan más atractivas que el atrevimiento y pose glam-rock mitad Morrison-mitad Bowie de Bunbury, porque quienes quieran pensar que los extremeños son un grupo adalid del llamado "Rock Kalimotxero", se equivocan de cabo a rabo, son mucho más que eso.

Recuerdo cuando en las gasolineras vendían casettes de grabaciones caseras y malísimas del grupo, porque si hay algo que ahora me irrite de los primerizos Extremoduro es su sonido, unas grabaciones desastrosas y un sonido pésimo, por eso que fichasen por una multinacional, mas que un insulto, se puede tomar como un alivio, porque al menos las grabaciones alcanzaron un gran nivel. Nunca un recopilatorio como "Grandes éxitos y fracasos" se hizo con tanta razón, los dos discos eran mas que necesarios para escuchar los éxitos del grupo con una calidad decente.

Extremoduro siempre han tenido mucha personalidad, podrían haber lanzado mas canciones como "Jesucristo García" que mucha gente se habría conformado con eso, pero no, discos como "La Ley Innata" o este "Material Defectuoso" son un puñetazo sobre la mesa, que pasa, ¿no pueden explorar otros sonidos o tocar otros instrumentos sin perder su esencia?.
Leer las palabras "Extremoduro" y "experimental" en un mismo texto, como he leído en algún sitio, me resulta gracioso, "experimental", ni que Robe Iniesta hiciese "Dubstep", simplemente la banda busca darle a la música de sus discos la solidez que tienen sus directos, y aportar nuevos elementos a su música, pero aplicarle esa palabra tan de el mundo de la electrónica, es cuanto menos "muy chanante".

Siempre me han gustado mucho canciones como "Deltoya" o "Quemando tus recuerdos", por su rabia y ritmo, pero me han cautivado también otras como "Golfa" o "Standby" por su tempo mas pausado, por eso encontrarse con este "Material Defectuoso" es una grata sorpresa, pese a que a mas de un seguidor de la banda es probable que le haya defraudado.

"Material Defectuoso" es sin duda un gran disco, con una calidad instrumental enorme, un sonido con una nitidez increíble, a cuantos grupos se les dan mil privilegios en los estudios y no saben aprovecharlos, aunque este disco no es ese caso.

Empieza el disco, "Desarraigo" en cuyo comienzo crees que "El Guincho" va a empezar a cantar de un momento a otro, pero ese inicio con tintes "reggae" unido a los característicos "riffs" de guitarra de la banda forman una unión perfecta, incluso los coros femeninos que tan poco me gustaban en la banda, me parecen buenos ahora y sobre todo en esta canción.
 "Mi espíritu imperecedero" podría formar parte de cualquiera de los últimos discos de la banda, es sin duda el corte más clásico y más deudor de los Extremoduro de toda la vida de todo este álbum, tema luminoso y rápido.
"Otra inútil canción para la paz" comienza con un saxo que recuerda a el sonido de discos como "Agila", con un órgano que aporta mucho cuerpo a la canción. Con cierto aire "Blues", es sin duda uno de los mejores cortes del disco, a la que sigue "Si te vas" que es el tema más largo del disco, y también el más tranquilo. Violines, coros femeninos, es probable que este tema le suene a "música para nenazas" a más de un seguidor de los Extremoduro más transgresivos.

"Tango Suicida"  es el tema que anticiparon en su web antes de que saliera a la venta este álbum. Una canción que comienza con unos acordes de piano que hacen honor al nombre del tema, es sin duda un principio con una elegancia enorme, pero a medida que la canción avanza los diferentes crescendos de la canción hacen de este un tema redondo y muy onírico, probablemente la mejor canción del disco (opinión personal).

El disco cierra con "Calle Esperanza SN" una canción que se sostiene sobre una guitarra, pero que en su final hace gala de los Extremoduro más sinfónicos, con una gran sección de cuerdas que adornan esta gran canción.

En resumidas cuentas, es un disco que defraudará al seguidor de los Extremoduro mas sucios y rockeros, un disco que escuchado sin prejuicios (de ningún tipo) puede resultar una gran experiencia.

Josele Santiago

      A mi edad,  aunque ya empiezo a ser algo viejo, el anterior grupo de Josele Santiago "Los Enemigos" me queda un poco lejos, en su día disfruté de "Nada", un verdadero discazo, pero los demás discos junto a esta banda los he disfrutado mas bien poco. Su irrupción en solitario es sin duda una de las grandes sorpresas que nos ha deparado la pasada década.

Si te pones a mirar en todo el panorama nacional, no hay una voz tan fuerte como la suya, rabiosa y melódica a la vez, grave y cazallera, pero ni mucho menos fea y mala.

Todo el panorama está lleno de voces demasiado limpias o demasiado sucias o voces que deberían tener prohibido por ley la entrada a un estudio de grabación, pero la suya guarda el equilibrio entre lo sucio y la melodía, ya les gustaría a muchos cantar como canta él.

Dicen en la Rockdelux que con Josele en solitario no se echa de menos a Los Enemigos y en parte tienen razón, si su separación sirve para que entregue discos como este "Las golondrinas etcétera", "Garabatos" o  "Loco encontrao" o para que Fino Onoyarte comande un auténtico grupazo como Clovis , pues mucho mejor ¿no?.

Josele Santiago acaba de editar su cuarto trabajo que lleva el nombre "Lecciones de vértigo" hace escasamente un mes, y en las pocas escuchas que le he dedicado no me ha decepcionado, muy en la línea de "Loco encontrao" solo que es algo más guitarrero.

Pero me quiero centrar en su debut en solitario. Este disco estuvo en prácticamente todas las listas musicales especializadas del país entre lo mejor del año 2004. Recuerdo que ese año pude ver un par de conciertos suyos rodeado de gente como Pablo Novoa (Golpes Bajos) a la guitarra o Ricardo Moreno (Los Ronaldos) como batería, y es que este álbum recoge probablemente un puñado de canciones magistrales.

Producido por Nacho Mastretta, el álbum empieza con "Ole papa" una canción en la que Josele con voz calmada y rimas chulescas al principio y desnortado y anárquico al final, construye un tema divertido con un apoteósico final. En "Serrín", el segundo corte aparece el acordeón ( Luca Frasca, si no recuerdo mal) en el que es sin duda uno de los mejores temas de este disco en los que Josele sigue tirando de imaginario y la banda colabora como si fuera una especie de fanfarria.

En "Mi prima y sus pinceles" la melodía y la lírica le ganan la partida a la chulería , pero es sobre todo en "Con las manos vacías" (versión de la canción de Chavela Vargas) donde la crudeza de su voz y la guitarra de Pablo Novoa forman un tándem arrollador. Ese "y ponerme a gritar, que el amor es mentira", en directo, es espectacular.

"Cuatro días", "Feliz Big-Bang" coquetean con el blues mientras que temas redondos como "Tragón" o "Viento Sur" suenan mas rock y pop a la vez. "Soldado limpiando fusil" o"Borrico" muestran al Josele Santiago mas introspectivo con la guitarra como único acompañamiento, algo que también se puede apreciar en la canción que cierra el disco "Sin perdón dormid",
Pero si me tengo que quedar con un corte del disco ese es "Rompes mi canción" un temazo de rock&roll puro y duro, para que más.

Si hay algo que me gusta de Josele Santiago es ese punto de sinvergüenza que tiene, algo primitivo y muy natural en muchos artistas ingleses, pero que ahora está muy olvidado en la música. Hoy en día los grupos confunden arrogancia y pose con chulería, pero para eso hay que valer, por eso la forma de interpretar las canciones de Josele le aporta un ingrediente extra a las canciones. Recomiendo cualquiera de sus discos, pero especialmente este.

Fuck Buttons - Sweet love for planet earth (Andrew Weatherall Remix)

Sonic Youth y ese "guanguauauanggyyyy"

        Creo que ya he superado la depresión provocada por no poder ir al Primavera Sound, y lo he hecho como un valiente, torturándome viendo todo tipo de reportajes en televisión y blogs, algunos casi a tiempo real de lo que estaba sucediendo en el Parc del Fórum de Barcelona, en cierto modo ha sido como dejar el tabaco llevando un paquete en el bolsillo, aunque al final tampoco ha sido para tanto.

La verdad, me sigue dando mas rabia no haber acudido a la edición de 2009 que a la de este año, perderme a grupos como Portishead, Sonic Youth, Yo La tengo, Neil Young o Andrew Bird entre muchos otros me dolió y me seguirá doliendo más que no ver a muchos de los artistas de este año, no se puede estar en todas partes y en todos los saraos, eso es trabajo de Johann Wald de MTV.

Coincidiendo con el festival me he puesto a reorganizar por fecha y género las revistas que tengo, así de paso me deshacía de una pocas, porque es raro, estaba amontonando revistas de ciencia, algún número de la Shanghai, una "Ragazza" de cuando mi hermana era una quinceañera, entre las que mas leo, que son las de cine y música. Definitivamente mi síndrome de Diógenes no tiene fin, ni se vislumbra.

Cuando ya solo me quedaba por organizar las de música me he dedicado a leer crónicas de conciertos y críticas de discos de diferentes grupos en diferentes revistas y en diferentes fechas sobre varios grupos, la verdad es que debo ser muy "friki" porque es algo que quería hacer desde hace tiempo, quería ver como varían la diferentes líneas editoriales de las revistas con el tiempo. Resulta gracioso ver la buena opinión que había hace unos años sobre Bloc Party y la que hay ahora, lo mismo digo sobre Editors, uno de los casos mas sangrantes será siempre el de Russian Red, elevada a los altares en sus inicios y defenestrada ahora, mas por el fervor popular que por su música, que sigue siendo la misma.

No seré yo quien tenga que dictar la línea editorial a las diferentes publicaciones, porque aunque se pone a parir a el periodismo, todavía quedan muy buenos profesionales, pero al final las diferentes publicaciones suelen tirar de tópicos, la mayoría, idénticos en diferentes revistas, en las que se suele seguir este patrón:

Grupo novel: según las publicaciones, rara es la vez en la que un grupo novel saca un disco malo.
 Aunque conozco ejemplos de grupos noveles que sacan auténticos truños en su debut (por respeto, no voy a dar ningún ejemplo). Como coartada "anti-hype" dicen que suenan como un grupo antiguo mítico.
Ej: Artic Monkeys con su disco de debut.

Grupo o artista de éxito: cuando un artista ya no es la novedad y ha tenidocierto éxito, empieza el declive, sus discos son una mierda. Eso sí, cuando a mucha gente ya no le gusta el grupo y dicho grupo edita un disco, la prensa dice que se han reinventado.
Ej: Interpol con su último disco.

Grupo o artista de éxito (de masas): para la mayoría de la prensa, el mejor trabajo de este tipo de artistas es el último disco que han editado, da igual que un disco suyo le guste a millones de personas, su último disco, el mejor y el más auténtico.
Ej: Cualquiera de los últimos discos de Bruce Springsteen.

Sonic Youth: para los neoyorquinos existe una categoría especial. Creo que se ha dicho todo sobre ellos, todo, excepto decir que Dios creo a Sonic Youth y luego al hombre, pero no tardarán. Adjetivos superlativos aparte sobre su música, resulta cargante ver los mismos halagos en diferentes revistas y blogs sobre la banda americana. Son muy buenos, pero algo habrán hecho mal ¿no?.

Con estos últimos me quiero quedar porque son un grupo que me gusta bastante, y aunque me divierte y me gusta en cierto modo leer las críticas pedantes que hacen sobre muchos de sus discos, no soporto leer lo mismo sobre ellos en todos lados, que si son los "mesías" de la música, que si escucharles es un orgasmo, parece que las revistas van a comisión con ellos, porque si no, no es normal.
Que sí, algunos de sus discos me gustan mucho, pero otros los encuentro infumables.

En treinta años de carrera nos han regalado algunos de los mejores discos de la historia, pero no me creo que haya una sola persona a la que no hayan decepcionado con alguno de sus trabajos, eso forma parte de que te guste un artista.

Hace poco leí un post sobre el disco de los neoyorquinos "Sonic Nurse" que hablaba sobre dicho álbum refieriéndose a la característica distorsión de las guitarras de la banda, con la palabra "guaungggggggyyyyy".
Me reí bastante con esa definición sobre su música y me resultó mas convincente y descriptivo que muchas críticas aduladoras sobre la banda que existen en todas partes.

Leer estas críticas es divertido, hay gente que tiene mucha imaginación a la hora de hacerlas, pero creo que va siendo hora de cambiar los halagos, no voy a escribir ninguno nuevo, mejor una canción con ese sonido que tanto me gusta de Sonic Youth.

¡Menos rock mesiánico y más "guannnggggggyyy"!

Clásicos: James Brown- Soul On Top

         James Brown es un artista que siempre me ha gustado, no en vano muchos grandes artistas han bebido de su música e incluso de su forma de bailar, como el mismísimo Michael Jackson.

Pero encontrarme con este disco fue una casualidad, pese a que descargárselo hoy en día es lo más fácil del mundo, todavía siento apego por el formato físico, en este caso cd.

 Iba en busca del famoso "Live At The Apollo" (1963), un disco mítico que puede que sea probablemente uno de los mejores directos que he escuchado nunca, pero encontré una oferta 2x1 que contenía el mítico directo y este disco y lo adquirí sin pensármelo, como tienen que estar las cosas de mal en la industria discográfica para que pongan dos semejantes discos a un precio bastante bajo.

Soul On Top fue un disco grabado en 1970, aunque la edición que tengo es una reedicción del 2004 que contiene un tema extra, una versión del "There Was A Time". Grabado en dos días (cuesta creerlo), ya sin la colaboración de "The Famous Flames" de quienes se acababa de separar, y grabado junto a la Louie Bellson Orchestra, con la colaboración de Maceo Parker.

 Este disco contiene éxitos anteriores del norteamericano como los hits "It's a man's man's man's world" o "Papa's got a brand new back" y versiones de otros artistas, como "That's my desire", versión de una canción de Helmy Kressa y Carrol Loveday que artistas como Louis Amrstrong o Jerry Lee Lewis han versionado también, una canción de claro poso jazz, algo que también se puede apreciar en otros cortes del disco como "It's magic" ( Sammy Cahn, Julie Styne) o "For once in my life" (Ron Miller, Orlando Murden) .

En canciones como "Your cheatin' heart" un clásico country de Hank Williams, el sonido adquiere otra dimensión con el bajo y la sección de vientos de la Loiue Bellson Orchestra.

En "What kind of fool am I" una canción original de Anthony Newley, Brown hace una buena versión dándole un aire mas "jazzy" pero respetando bastante la canción original, bueno y que vamos a decir de "It's a man's man's man's world" a la que sigue "The man in the glass" un par de clásicos de "El Padrino del Soul".

"September song" (Maxwell Anderson, Kurt Weill) juega con el jazz y el funk, mientras que de el noveno y décimo cortes del disco "Everyday I have the Blues" (Memphis Slim) y "I need yor key (to turn me on) del propio Louie Bellson, solo puedo decir que son un par de canciones magistrales, en canciones como estas puedes ver como James Brown se adueña de una canción y la hace totalmente suya, pese a que el estilo de la original sea bastante diferente.

El disco original termina con el clásico "Papa's got a brand new bag" que unido a la Louie Bellson Orchestra se convierte en una auténtica locura para los oídos, pero como ya he dicho antes la edicción que circula ahora contiene una versión alternativa de el clásico de "There was a Time", mas rápida, con una línea de bajo que roza lo sublime.

He intentado encontrar la nueva versión de "There was a time" pero resulta imposible, dejo esta de una actuación en televisión en la que el público se vuelve loco, algo que no creo que esté preparado.